一直想写点看潮剧录像中镜头运用的文字，看到有戏友上传《嫦娥奔月》影像，促成了这篇贴子的出炉。
《嫦娥奔月》录像大概是八十年代初，由中央台拍摄。除了一些舞台特写、特技镜头外，可能是限于当时的拍摄条件，只用一部摄影机拍摄。不过镜头把握得恰到好处，几乎记录下演出的所有精彩瞬间。
潮剧的影像资料除电影外，大致都是舞台录像。看录像和现场看戏感觉自然不同，观众不可能随心所欲地看到舞台上全景式的表演或只专注一面，而是借助镜头获取视觉感受。看录像时，观众对景物的选取是被动式的，必须无条件接受镜头提取到的每个瞬间和空间，是“填鸭式”吸收，镜头代替了我们的眼睛。
个人喜好，镜头捕捉到的舞台背景光线的亮度，以及背景衬托起的气氛对我影响很大。人眼对光的的敏感度远远高于镜头，我们看现场演出需要的光线相对只要达到一定程度即觉得适中，但摄像机比人眼“弱视”，普通的舞台演出光线拍摄起来背景常是黑漆一片。不少潮剧录影都有这毛病，尤其是实况拍摄。拍摄舞台片需要的亮度，要高于一般演出。
我看过CCTV戏曲频道的“空中剧院”，在深圳会堂做现场直播的演出。灯光比平时看演出亮堂得多，每一处都明亮且匀称。并且很注意补光灯的运用，通过舞台前上方补光，使演员的面貌和细处的表演清晰可见，不会因为头饰等因素挡住来自正上方光线，减弱面部亮度。
其次，舞台宽度的大小也能影响视觉。录像里所需要的舞台宽度，好像“空中剧院”有具体规定，到哪个城市的哪个戏台都统一，比普通的舞台演出短一些，以方便拍摄。如果宽度过大，有多部机拍摄还好，要是仅有一台机拍摄（早期的录像有的就只有一台机），将会摇出太多空镜头，也影响录像中构图的充实程度，因为角色可能彼此站的距离远了而显得稀疏。
再次，我注重的还有镜头设备的多少，镜头切换时色彩是否统一等因素。标准的拍摄环境，当然至少要三个镜头，一个置中拍全景，左右又各一以拍近镜特写。央视的“空中剧院”还在舞台前加多一个镜头，专门拍摄观众的反应，并在观众席中央位置设MIC采集掌声、彩色，加强录像的现场感，台上台下互动效果显著。
早期的潮剧录影，只要是专门录制，多数还是由三部机拍摄。但也有例外，上面提到的央视专门拍的《嫦娥奔月》除特写外，就只用一部机，广东电视台拍的《彩楼记》是用两部机。至于实况录像，早期用一部机的例子可能不算少，如在大观园实况拍的《龙井渡头》即是，造成不少重要表演都拍漏了。
说到三部机镜头切换时色彩的统一，早期由央视、广东电视台，以至后来汕头电视台拍摄的潮剧录像，镜头切换时一般不会有明显色彩不统一情况。遗憾的是，近年制作的即使是重点剧目，色彩失真、欠统一等缺陷，反而并不少见。
看潮剧影像，我还会注意摄影师在捕捉镜头时，对剧情的熟悉程度，对人物表演尤其是发生冲突、有多方对唱或说白时，镜头作出的判断，以及个人对构图的偏好等。不过以上的惦量，或者还只是可以相对量化，甚至公式化予以提高的因素。我觉得最不容忽视的，是镜头对观众的“眼睛”的尊重。这方面我很外行，仅凭感觉说两点。
一是远镜、中镜、近镜的选用。由于观赏戏曲既看脸部表情，也看身段表演，甚至看脚下功夫，以中近镜为首选，可以面面俱到。而且潮剧演员化的是淡妆，不宜用太多近镜特写，否则可能会使脸上的缺损暴露出来，削弱美感。近期拍摄的一些个人卡拉OK专辑，有的偏爱近镜，效果差强人意。
二是镜头切换过程的把握。这应该没什么标准，首要是镜头要尊重观众的感受，留意人眼对场景切换的适应过程，切入要准确，过渡要自然（变换宜慢不宜急）。当然，这些处理都应建立在对剧情熟悉的基础上，才谈得上有所选择和创造。
有时，开场空镜的运用也很重要。潮剧以前在开场时常有台内歌，或是喧染气氛需要，演出中演员在台内先声夺人再出台。舞台上有时会空无一人，看到这里我个人偏好是镜头静止于正中，拍中景或舞台全景。拍中景更好，因为有所局限，会产生强烈地期待演员入镜欲望，对将出场人物存有猜想。有的录像在开场时，镜头时左时右或摇摆不定，早期拍实况不少有这习惯。不过近年潮剧喜欢外来借鉴，已少有后台歌，开场和终场喜欢用追光灯圈定人物，没有所谓的空镜头了。
衡量录像效果好坏的因素，还涉及音响、字幕等，这里只说镜头的作用，其决定因素既有包括录像设备在内的诸多硬件基础，可是最终影响质量的可能还是人力的态度问题。其中电视导演对戏曲的了解以及调配，摄影师对镜头的把握，录制时间的长短，后期剪辑的运用，才是决定因素。
时下潮剧录像质量少有令人满意的作品，粗制滥造时有发生。现在设备方面比以前提高了档次，水准反而下降，原因值得各方细究。录像是舞台艺术的再现和再创造，马虎不得，期待重视。化用一句歌词作结：借我一双慧眼吧，让我把这世界看得清清楚楚明明白白真真切切！
写于2009年9月11日，2009年9月15日编校
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