10月1日晚，中国剧协副主席、中国戏剧“梅花大奖”获得者、当代中国川剧领军人物沈铁梅带领《李亚仙》团队登陆广东演艺中心大剧院，为广州戏迷带来一场戏曲艺术的盛宴。演出前，沈铁梅和《李亚仙》中郑元和的饰演者、中国戏剧“梅花奖”得主孙勇波一起接受了广州日报记者的采访。沈铁梅表示，在广州艺术节上用艺术方式庆祝国庆，很有意义。经过20年的探索，沈铁梅破解了川剧靠“吼喊”的印象，丰富了川剧的声腔，她表示：自己不是要改革川剧，只是希望川剧更优美，而美是艺术的前提。
突破川剧声腔音乐：从“吼喊”到“柔和”，美是艺术的前提
广州日报：《李亚仙》被称为“中国的《茶花女》”，能介绍一下吗？
沈铁梅：《李亚仙》以现代人的价值取向和审美趣味，重新演绎李亚仙与郑元和充满传奇色彩的爱情故事。李亚仙是个外柔内刚的古代女子，体现了中国女性的自强不息。古典中渗透着现代气息，现代中弥漫着古典神韵。
广州日报：李亚仙是你最喜欢的角色吗？
沈铁梅：我是演技派，我演每个角色都会是最适合这个角色的演员。演《金子》前，我的角色基本上都是悲苦的。金子和李亚仙这两个角色我都喜欢，但更喜欢李亚仙。因为我可以唱得酣畅淋漓，很多唱腔都是我自己设计的，糅合了我对音乐的各种积累——糅碎曲牌，但又有曲牌的基调，运用得体，充分发挥帮、打、唱的特色。在演唱上尊重川剧传统的同时，借鉴了京昆、豫剧、西洋和民族声乐以及歌剧吐字换气的方法，融会贯通，美化唱腔。
广州日报：川剧在一些人的印象中是靠“吼”的，而你以独特的声腔神韵以及“腔中有人，人活腔中”的声腔艺术，实现了川剧声腔的重大突破，有什么心得？
沈铁梅：川剧有300年历史。开始的时候多是在室外演，所以要靠“吼”来吸引观众。我从小学的是京剧，开始唱川剧后，觉得我不能这样唱。我并没有想着要怎么去改革川剧，只是思索要怎样演绎才能好听。20年来，我在钻研民族发声法的同时，将美声唱法融入川剧表演中，川剧的声腔音乐有了很大改变。我们要在美的基础上塑造角色，就必须要有一个可听的声音留住观众，美是艺术的前提。川剧的高腔，很多是半说半唱，有点像RAP，旋律性不强，不容易传播和流行，我们加强了它的旋律性。从呐喊型到柔和型，这是川剧的一个重大突破。另外，我们的打击乐以前很闹，现在定音了，但是没有改变打击乐的特色。
广州日报：你的“一口唱”是曲坛佳话。作为戏曲演员，在台上如何让自己的声腔和表演挥洒自如呢？
沈铁梅：要训练声腔的控制力，绝对不能吼喊。技术只是艺术的第一个层面，静下心来做艺术，这是艺术的最高层面。如果是在餐厅里表演变脸，那是技术；如果在好的剧目中表演变脸，那就是艺术，因为技术和剧情联系在一起。
在舞台上，我对自己的唱腔和表演有着很高的控制力，可以低沉到海底，也可以高昂到天上，这就需要内力。我的个子不高，但是在台上，所有的观众都得看我，都得听我。因为我的气场很强大，可以让剧场非常安静。戏曲舞台上，技巧很好的人很多，但重要的是你追求的是什么境界。我不追求高音，我更喜欢自己唱低音调时的掌声。
川剧本质是麻辣烫：即使是《李亚仙》这样清雅的戏，都能感到它的麻辣
广州日报：提起川剧，不少人首先想到的是变脸。
沈铁梅：变脸只是川剧的表现手段之一，光变脸就有拭、揉、抹、吹、画、戴、憋、扯等8种方式，此外川剧还有吐火、藏刀等绝活儿，但川剧的魅力远远不止于此，特技要为剧情服务。
广州日报：技巧之外，川剧的特质是什么？
沈铁梅：川剧能出神入化地刻画人物，可以把宫廷戏家庭化，把很深奥的东西通过老百姓的语言表达给观众。在表现手段上，川剧是极其聪明的，情理之中，意料之外，善于“悲剧喜唱，喜剧悲唱”。比如在《李亚仙》中，就有一个叫花子插科打诨的戏份贯穿始终，形成了一种落差，极具艺术张力和可塑性，追求大喜大悲、幽默趣味、雅俗共赏，极富人气、仙气、猴气，即贴近生活、脱俗浪漫、古灵精怪。
川剧非常开放，由昆曲、高腔、胡琴、弹戏和灯戏5种不同的声腔杂陈，兼收并蓄又自成体系。川剧高腔由“帮、打、唱”紧密结合，特别有“一唱众合”的徒歌演唱方式，即无伴奏演唱，一个梆腔一个调，全靠自己裸唱，这个真的很考验功力。《李亚仙》既保留了徒歌的演唱，又有很多创新的地方。《李亚仙》这种高腔戏曲多是曲牌体，一只曲牌唱一大段显得很单薄。从《金子》开始，我就把相连的周边的曲牌运用起来，还用了复调、和声，让唱腔音乐更加丰富。
广州日报：说到创新，据说《李亚仙》中还有交响乐的成分？
沈铁梅：是的，比如用室内乐、交响乐来搭配民族乐器，这个理念其实是从《金子》就开始的，这样做显得整个川剧剧目的音乐丰富而厚重。中国戏曲就是要以一当十，不仅是舞台上的表演，还有台下的配乐。我们重庆川剧院的乐队包括弦乐和吹奏乐，只有十几人，经常要出去演出，不能打人海战。所以，交响乐与民族乐搭配，也解决了实际问题。
广州日报：有人形容昆曲是远山静水，你能给川剧定个调吗？
沈铁梅：如果说昆曲是远山静水，那么川剧就是麻辣烫，它既古老，又有当代性。川剧像火锅一样，五味俱全，越吃越有味。中国的戏曲文化和饮食文化是有关联的，比如晋剧就有醋味，而越剧就甜甜的，川剧则“唰”一下就能变脸，乐队“咣”一下就能刺激你。即使是《李亚仙》这样清雅的戏，你都能感到它的麻辣。
戏曲传承和走出去：吸引观众，最好演新编戏
广州日报：今年4月，你曾带领《李亚仙》登上了匈牙利和罗马尼亚的舞台，在当地的反响如何？
沈铁梅：我都没想到会引发如此强烈的共鸣。在匈牙利，我们在合音乐时，刚合了一小段，录音师马上就跪在了地上，他说这样的声音只能跪着听。我们总是感觉外国观众不懂中国语言，更不懂中国戏曲。这次去欧洲让我感到，我们低估了中国戏曲的魅力。艺术无国界，艺术是共通的，我们应该把中国传统文化最优秀的部分展示给外国观众，好的作品总是能引发共鸣的。我们在匈牙利演出时，对方提出不要字幕，只要一个段落的大意，但是外国观众都能看懂。
广州日报：观众完全被台上的表演所吸引了？
沈铁梅：是的。《李亚仙》突出了“服化”、表演，观众的注意力都放在了演员身上。现在很多戏都追求大制作，所谓的“戏不够，灯光凑”，我认为这是必须被批判的。我们依旧坚持传统戏一桌二椅的理念——坚持戏曲特征，只做进步性的传承。关键是戏要好，否则，投再多的钱，都只是娱乐。
广州日报：怎样吸引年轻的观众进剧场看戏？
沈铁梅：不求多要求精。戏曲观众少，我们要让观众听到最好的戏，所以一定要做好的作品。吸引观众，最好演新编戏，因为传统戏是给戏迷看的。就像不会喝酒的人先喝啤酒，不要喝白酒。另外也要经常去学校，通过新的传播方式传播戏曲。
广州日报：在收徒弟时有什么考虑？
沈铁梅：必须有悟性，条件好，爱艺术，能坚守下来。我的一个徒弟已经获得了梅花奖，但不是每一个人都能成名成家，有的可以当老师去传播艺术。剧种必须有人去传承，对传统要存敬畏之心。我从来没有想过把川剧改成哪种模样，我只是争取让它完美，这才是忠诚的一种思考。我们探索出来的DNA，永远都是中国川剧的DNA。川剧无论怎样发展，必须姓“川”，保持基因不变。
孙勇波：不怕观众不懂戏
梅花奖得主孙勇波在《李亚仙》中演郑元和，他谦虚地表示自己在这部以李亚仙为主线的剧作中只是配角。
对于川剧，孙勇波有着深沉的情感，也表达了学川剧的不易，“学川剧，10岁左右就必须进学校，进行三五年的基本功训练之后方能排戏上舞台，然后要经过三五年的经验积累，声、色、艺必须都有。”孙勇波表示，至少8年~10年才能成为一个川剧演员。
《李亚仙》迎合了现代观众的审美，节奏很快，串场也很有特色，一场接一场，扣得非常好。孙勇波表示不怕观众不懂戏，关键是戏要好：“要让观众只要能读懂汉字，就能坐在剧场里。”（记者 张素芹）
（摘自 《广州日报》）
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